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Cante jondo
Según el diccionario de la RAE, el "cante jondo" es "el más genuino cante andaluz, de profundo sentimiento". Este diccionario recoge como equivalentes las locuciones "cante jondo" o "cante hondo", lo que avala que el término "jondo" no es más que la forma dialectal andaluza de la palabra "hondo", con su característica aspiración de la h proveniente de f inicial. Sin embargo Máximo José Kahn llegó a sostener que el término "jondo" procede de la locución hebrea "jom-tob" o "yom-tob", desinencia de algunos cantos sinagogales. Según García Matos e Hipólito Rossy, no todo cante flamenco es cante jondo.^[Manuel de Falla consideraba que el cante jondo era el cante antiguo, mientras que el cante flamenco era el moderno.

Según la Real Academia Española, se denomina "cante" a la "acción o efecto de cantar cualquier canto andaluz", definiendo "cante flamenco" como "el canto andaluz agitanado" y el cante jondo como "el canto más genuino andaluz, de profundo sentimiento". Al intérprete de cante flamenco se le llama cantaor en vez de cantante, con la pérdida de la d intervocálica característica del dialecto andaluz.

La importancia del pilates en la danza

El Método Pilates puede aplicarse para completar otro tipo de disciplinas y también es beneficioso para aquellas personas que practican danza.
Teniendo en cuenta que la danza le exige al bailarín además de una plena dedicación el esfuerzo para superar las dificultades que pueden presentarse en su práctica, Pilates es una herramienta que éstos pueden utilizar para conocer como se mueve cada músculo de su cuerpo ayudando así a prevenir lesiones.
La lesión física, en un practicante de danza, la mayor parte de las veces está determinada por las condiciones de su propia anatomía. Por ello, el conocer como se produce un determinado movimiento en su cuerpo le ayuda a buscar la posición correcta para ejecutarlo.
Tanto en el deporte como en la danza es necesario realizar un programa de ejercicios que se adecue a las necesidades de cada una. El trabajo con el Método Pilates ayuda no sólo a mejorar sino también a potenciar las condiciones físicas de los deportistas y bailarines.
Pilates se aplica respetando principalmente la funcionalidad del cuerpo y buscando siempre corregir y evitar cualquier tipo de compensación que pueda en el futuro convertirse en una lesión.
Por lo general, el factor que puede desencadenar una lesión en el bailarín es el desequilibrio que éste puede sufrir en cualquier momento y un desequilibrio siempre equivale a inestabilidad.
Es importante que el bailarín busque siempre profesionales en el Método Pilates que conozcan las técnicas y métodos de trabajo del baile, lo ideal es que estos profesionales tengan una formación en danza y técnicas corporales, ya que ellos conocen perfectamente las
inquietudes de quienes se dedican a la danza.
Pilates ayuda a mejorar la técnica del bailarín ya que durante la sesión se trabajan aspectos y movimientos que son semejantes a los que ejecuta el profesional.
Pilates es una herramienta excelente para quienes practican danza, ya que se trabajan algunas zonas del cuerpo de forma muy similar a la que el bailarín. Además, se debe tener en cuenta que la técnica es importante pero no es el objetivo final, ya que la inspiración y la pasión es lo que hacen del baile un arte.
El trabajo en algunas áreas del cuerpo es similar al que se realiza durante un entrenamiento diario como respiración y estabilización, prácticas altamente recomendables que llevarán a alcanzar los objetivos planteados.
Los profesionales de la danza están acostumbrados a trabajar los grandes músculos, pero por lo general olvidan de como hacer para trabajar los músculos más profundos
La flexibilidad es un componente importante tanto en Pilates como en la danza y también lo es la respiración, que se potencia durante el trabajo en Pilates, el giro que muchas veces se transforma en una obsesión del bailarín y la disociación, o sea mantener una parte del cuerpo estable y en tanto la otra hace más fuerza.
Pilates le dará a los profesionales de la danza todas las herramientas para poder controlar cada paso y canda pirueta, controlando los movimientos y disfrutando de la técnica.
Con la utilización del Método Pilates el cuerpo comenzará a dar claras señales de mejoría en muchos aspectos es sólo saber escuchar y entender, lo que por cierto no es una tarea sencilla.

Las malagueñas.

Las malagueñas es un palo del flamenco, tradicional de Málaga (de ahí su nombre), procede de los antiguos fandangos malagueños. Se convierte en estilo flamenco en la primera mitad del siglo XIX. Este cante no tiene baile propio pero tiene un gran registro melódico. Se acompaña a la guitarra por arriba y es un cante "ad libitum".

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Contenido 1 Guitarra 2 Cante 3 Intérpretes

 Guitarra

Su acompañamiento de icto(ad libitum), porque el cantaor puede alargar los tercios a voluntad y algunas veces retrasa el compás y otras lo adelanta. La guitarra gana mucha riqueza y complejidad en sus melodías debido a la libertad rítmica( que pasa también en cualquiera de los otros palos sin compás marcado); el uso de la amplia gama de arpegios, trémolos y demás adquiere otra dimensión. La malagueña se diferenció del fandango local porque su toque se hace cada vez más lento y sostenido, logrando así una extraordinaria riqueza". La malagueña se construye(y sólo de esta manera) en base al modo griego Frigio de MI mayor-lo que en el argot flamenco se llama "por arriba"-:
Iº Mi IIº Fa IIIº Sol IVº La menor Vº Si VIº Do VIIº Re menor.

 Cante

Cante melodioso y solemne que adquirió categoría de cante grande en las voces de Enrique El Mellizo y Chacón.
Existen diversas modalidades de malagueñas, debidas a las creaciones individuales de una serie de intérpretes tanto naturales de Málaga, como nacidos en otros lugares de Andalucía. Diego Clavel ha recogido en disco hasta cuarenta y siete estilos diferentes de malagueña. Es un cante con copla de cuatro o cinco versos octosílabos, que generalmente se convierten en seis por repetición de alguno.

 Intérpretes

Algunos consideran a Juan Breva el creador de las primeras malagueñas aunque otros considera a Juan Reyes El Canario, pues consideran que las malagueñas de Juan Breva son un fandango "abandolao". Es por ello, por lo que Álora, localidad natal de El Canario, es considerada como cuna de la malagueña. También son conocidas las malagueñas de la Trini, las del Niño Tomares o las del maestro Ojana que son diferentes a las de Juan Breva. Realmente, los cantes de Juan Breva no debieran considerarse como malagueñas propiamente dicha, si bien, es en la evoluciónd esos cantes donde tiene origen la malgueña, es decir, los cantes de Juan Breva pueden ser considerados como los previos a la malagueña, aquellos cantes que dieron origen a la malagueña pero que no llegan a ser aun malagueña propiamente dicha. Del mismo modo, los cantes por este estilo de Enrique el Mellizo, Francisco Lema "Fosforito el Viejo" y Chacón, de donde se dice que arrancan las "malagueñas nuevas", suponen un salto evolutivo con relación a las de las figuras citadas con anterioridad, que se agrupan entre los intérpretes de las que se han llamado "malagueñas de transición. A finales de los 90 comenzó un nuevo resurgir de las malagueñas llamadas "Malagueñas de Fiesta" gracias al Concurso de Malagueñas, acualmente llamado Memorial Jose María Alonso. Por ello se comenzó a crear nuevas malagueñas bajo la norma de respetar el ritmo y compas, para poder hacerlas bailables a los diferentes grupos de danza. Autor de varias "Malagueñas de Fiesta" de esta época es Francisco Soler.grupos de danza. Autor de varias "Malagueñas de Fiesta" de esta época es Francisco Soler.

Que bonita está Triana
Cuando le ponen al puente
Banderas republicanas.

La niña de los peines.

El amor brujo

El amor brujo es una película de cine española, dirigida por Carlos Saura en el año 1986. Es la tercera parte de la trilogía sobre el flamenco de este director.

 Sinopsis

Amor, baile y muerte. Estas son las tres claves de "El amor brujo". Carmelo está enamorado de Candela, cuyo padre le ha arreglado el matrimonio con José, siguiendo la ley gitana. José, que sigue viendo a su amante Lucía aún después de casado, muere apuñalado poco después, de lo que es acusado Carmelo, quien pasa cuatro años en la cárcel. Al regresar al poblado, Carmelo ve aterrado cómo Candela baila cada noche con el espíritu de José en el lugar en que fue asesinado. Una hechicera recomienda a Carmelo que baile con Candela la danza del fuego, para apartar de ellos al espectro que les separa. Fracasan en el intento, y la única solución es que la que fue amante de José en vida lo sea también en la muerte.

Luis Pérez Dávila `Luisillo´

México, 1928-Madrid 2007

Conocido por todos como Luisillo, Luis Dávila ha sido una de las personalidades clave de la danza en nuestro país. Trabajó durante más de 5 décadas y junto a él se han formado y han bailado algunas de las figuras más destacadas de la actualidad dancística. En 1948 hizo su debut en la Compañía de Carmen Amaya, junto con Teresa Vieira Romero con quien fundaría, dos años más tarde, Los Ballets Españoles de Teresa y Luisillo. Tras la marcha de la bailarina, la compañía pasó a llamarse Compañía de Danza Española. Sin embargo, fue con su formación Teatro de la Danza Española, con la que Luisillo cosechó el éxito, proyección y reconocimiento que le acompañaron. Al frente de ella estuvo más de cuarenta años y con ella viajó el coreógrafo por escenarios de todo el mundo. De su repertorio destacan tanto las obras de marcado carácter narrativo, inspiradas en argumentos literarios y operísticos, como Carmen, Romeo y Julieta, La Malquerida y Don Quijote, o las de un carácter más personal como el ballet bíblico El Convite. Éste, se presento ante el Papa Pablo VI, siendo la única ocasión en la historia en la que se representó una coreografía en el Vaticano. En el año 2001, El Teatro de la Danza Española celebró sus cuarenta años de trayectoria con el espectáculo La magia de la danza. Entre los muchos galardones recibidos a lo largo de su carrera, destacan la Medalla de oro del Teatro La Fenice de Venecia, la Medalla de Oro de Eurovisión por el ballet Don Quijote y la Cruz Oficial de la Orden de Isabel La Católica. Luisillo falleció en Madrid en 2007.

Antonio Najarro: El futuro del Ballet Nacional

Agosto

Manuel Fernández Montoya "El Carpeta"

Historia de la castañuela

La castañuela es uno de los instrumentos musicales más antiguos de la humanidad. Nace del chasquido de dos piedras. "Es un idiófono, o sea un instrumento que suena por sí mismo". En un principio estaban formadas por dos palos, dos grandes conchas marinas o por dos piedras, y su sonido estaba ligado al nacimiento de la danza. En la prehistoria servía para comunicar con los dioses y, más tarde, para animar las fiestas dionisiacas. Sin embargo, José de Udaeta anota en su libro "La Castañuela Española": "Unos brazaletes o ajorcas pertenecientes al Paleolítico y formados por aros de marfil, fueron hallados por arqueólogos rusos entre 1952 y 1964 en Mezin, Ucrania. Al chocar entre sí, estos aros producen un sonido armonioso y probablemente fueron utilizados para acompañar las danzas rituales del hombre de Cromagnon". Y prosigue: "en excavaciones realizadas en Egipto se han encontrado ánforas pertenecientes al año 3000 antes de Cristo; en perfecto estado de conservación debido al clima seco y hermético de las tumbas. Están decoradas con escenas de hombres y mujeres que danzan llevando en la mano dos palos levemente torcidos: la más primitiva de las castañuelas".

Castañuela del Cro Magnon.		Castañuelas egipcias (580-1090 a.C.) Museés Royaux d'Art et d'Histoire.Bruselas.		Flautista y bailarina con crótalos.Pintado en un plato.(600 a.C.)British Museum.Londres.

Con resonancias eróticas...Durante las ceremonias religiosas y fiestas en honor de Isis y Baco, se tocaban unos instrumentos en forma de falo. De hecho esos instrumentos serían pronto calificados de "krotalon", del griego "krotos", que significa ruido.

Por otro lado, hemos de considerar que en ninguna de las traducciones de la Biblia aparece dicho instrumento. Sólo en la versión inglesa "Revised Standard", figura una sola vez la palabra hebrea "menaaeim", traducida respectivamente en inglés por "castanets", con el vocablo "sistra" al margen (del latín "sistrum": badajo, matraca), "aunque es presumible, que después de la segunda destrucción del templo, al prohibirse toda intervención de instrumentos musicales, en el culto de Jehová, de haber existido la castañuela en cualquiera de sus formas, hubiera desaparecido definitivamente".

Sin embargo las castañuelas se presentarían bajo múltiples formas según las civilizaciones. Instrumento tan simple y antíguo como la humanidad misma, existen tantas castañuelas como civilizaciones en el mundo, y cada una con un nombre que la caracteriza.

En China tomarían una forma distinta: "Los cantantes de los templos de la dinastía Chou (1122-249 antes de Cristo) usaron un idiófono muy similar al que se usa hoy en día en Tailandia: doce palos o tabletas rectangulares dispuestas en forma de abanico, en las cuales se podían escribir algunas palabras que ayudaran a recordar la letra del canto si la memoria flaqueaba. Este instrumento, llamado "Chung-Tu", servía a la vez para marcar el compás y como libro de oraciones".

Cha-pans chinos.	Re-Re de Filipinas.	i'li-i'li_piedras de Hawaii.	Palillos australianos.

Chinchines turcos.	Castañuelas marroquies.

Pero la Castañuela Española toma base en la "crúsmata" ibérica siendo éste el único punto de referencia de la castañuela actual, o sea las llamadas "castanyolasses" ibicencas que son de gran tamaño y encuentran su equivalente en las "chácaras" de las Islas Canarias.

Desde las populares "tarreñas" a la "crúsmata" pasando por los "crótalos" hasta la castañuela actual, se han hecho todo tipo de conjeturas. Sólo la imaginación de bailadores y danzantes ha llevado a cabo innovaciones técnicas y mejorado su sonido. Las hay de diferente tamaño: algunas son mucho más grandes que la mano, y otras tan pequeñas que parecen perderse en el hueco de la palma. También sus formas varían según la región: las hay redondas, ovaladas, rectangulares, cuadradas, triangulares, en forma de pera, de corazón o de as de picas. Muchas están decoradas con dibujos, inscripciones o figuras geométricas grabadas o policromadas, o con incrustaciones de marquetería. "Las hay incluso de tres hojas. Se llaman tablillas de San Lázaro y constan de tres tabletas articuladas que al chocar entre sí producen un fuerte repiqueteo. Las usaban los frailes que pedían limosna en los hospitales".

El original instrumento pronto recibiría varios y múltiples apelativos, tantos como lenguas en el mundo. En Francia será conocida por "castagnettes", "cliquettes", "tavolettes" o "marronettes"; en Gran Bretaña por "castanets"; en Suecia "snatterpinnar"; en Dinamarca "kalptrée"; en Suiza "schleffele"; en los E.E.U.U. "clappers" o "bones"; en Italia "nachere" o "castanette", aunque Nana de Herrera, también docta en la materia, explica: " a todas las hipótesis añado que la palabra siciliana "scattagnetto", palabra difícil de pronunciar por los españoles, se transformó por metástasis en "castañette", de más fácil pronunciación, para terminar en castañeta y castañuela". Mientras que en España varía según las regiones, en Valencia se las llama "postizas", en Asturias "tarrañuelas", en Lorca "castañones", en parte de Aragón "pulgareles" o "jotaneos", en Huesca "pulgaretes", en Galicia "pitos" y "castañolas", en Cataluña "castanyolas" o "esclafidors", en Ibiza "castanyolasses", en Canarias "chácaras". También se las ha denominado en otras regiones "platolejas", "pulgarillas", "patas", "tablillas", "tejoletas", y un largo etcétera.

Lo más probable es que la riqueza folclórica de España haya sido la base de esta evolución de la castañuela. Con la aparición de las orejas, a finales del siglo XVIII, las castañuelas se fijarán en el pulgar, hasta entonces colocadas en el dedo mayor (forma habitual para bailar la jota) o sujeta por una cuerda o cabo a los tres dedos de la mano, o cogida ya de la mano como para los crótalos.

Se procede, entonces, a una técnica particular que será puesta al servicio de la danza con toda una gama de riquezas sonoras. Al estar sujeta al pulgar, se tienen los cuatro dedos restantes de la mano con los que poder tocar y sacar mayores connotaciones.

Debido al nuevo modo de fijación en el dedo pulgar y al auge que tomó la seguidilla más la aparición del bolero, se empiezan a perfilar los bailes de la escuela clásica española. Hacia 1740, el bolero accede a los salones elegantes. Por aquél entonces, el maestro de baile Pedro de la Rosa ordenaba los pasos de seguidillas y fandangos, influido por la técnica italiana que había aprendido en sus viajes. El bolero clásico hace su aparición cuatro décadas después, al mismo tiempo que Jean Georges Noverre, en Europa Central, implanta las nuevas bases de la escuela clásica francesa que, junto con la italiana, había de regir el baile en toda España.

Es cierto que el bolero, como las demás danzas españolas, tomó con el peso de los años nuevas formas creándose nuevos pasos y figuras. Los avances del siglo XVIII hacen un siglo XIX fructífero.

La pareja de bailarines españoles Dolores Serral y Mariano Camprubí conquistaba al mundo del ballet centro europeo. Auguste Bournonville y la bailarina Fanny Elssler caen en las redes de la pareja. Bournonville compondría entonces ballets de ambiente español tales como "La Ventana" y "El Toreador", además de adaptar la Escuela bolera a la suya propia.

Fany Elssler aprenderá de Dolores Serral los bailes que compondrá para el ballet de Coralli "El diablo cojuelo", donde interpreta su "Cachucha" que la llevará a la cumbre de la fama.

Así pues las grandes bailarinas del Ballet Romantique, como Maria Taglioni, Fanny Cerrito, Lucile Graham tocarían las castañuelas a la par de unos bailes con raza, distinguiéndose de las demás. De ahí que hoy en día no exista baile alguno de Escuela Bolera sin castañuelas.

Por su parte, el siglo XX lleva las castañuelas a su perfección. Antonia Mercé (La Argentina) abriría el camino a todos los amantes de la castañuela, que prosiguieron la búsqueda hasta dar con su forma y técnica definitivas.

Antonia Mercé escribía sus inicios en las castañuelas en una carta a su amiga Mónica Paraviccini . Asimismo, Antonia Mercé descubría por sí misma la carretilla seguida. Luego vendría Pilar López, hermana de Encarnación López (La Argentinita), quien descubriría la media carretilla llegada de una gira de por Estados Unidos.

Vicente Escudero introduce las castañuelas al baile flamenco, hasta entonces sin acompañamiento alguno.

Una vez, tradición y técnica adquiridas, con el siglo XX se intenta imponer las castañuelas de concierto. "Alrededor de 1940, Ana de Pombo, Laura de Santelmo y más tarde Manuela del Río, daban pequeños conciertos improvisados acompañadas de sus habituales pianistas".

En 1955, la bailarina norteamericana Carola Goya se presenta como solista de castañuelas, junto con diversas orquestas estadounidenses.

Al mismo tiempo, Emma Maleras en Barcelona y Lucero Tena en Mexico se dedican a profundizar en el estudio de la castañuela como instrumento autónomo. Lucero Tena da a conocer sus castañuelas en el mundo entero, mientras Emma Maleras escribe el Primer Método Teórico y descubre la doble carretilla. Más tarde, a raíz de su concierto en el Lieder Hall de Stuttgart en 1976, José de Udaeta impone las castañuelas en las orquestas más importantes como la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Herbert Von Karajan, el Rokoko Theater de Stockholmo, el Grupo de Percusiones de Strasburgo,... Acompaña también a la soprano Montserrat Caballé en la Scala de Milán, en el Carneghie Hall de Nueva York, en el Covent Garden de Londres, en el Théâtre des Champs Elysées de Paris. En 1990 crea la Sociedad Internacional de la Castañuela Musical en Colonia.

Pero, a pesar de todo, Udaeta llega a preguntarse todavía, de vez en cuando, por los antiguos métodos de enseñanza, "por cómo se ha aprendido a tocar a lo largo de los siglos. Necesariamente, desde que apareció la primitiva castañuela, hubo de existir una técnica, aunque quizá rudimentaria y no bien definida. Podemos suponer que esta técnica hubo de ser aprendida tanto en tiempos de la crúsmata ibérica como del crótalo griego, etrusco o egipcio".

Concierto de castañuelas: LA REVOLTOSA

CARMEN, Cía de Rosario Castro con Victor Ullate artista invitado

Del 29 al 31 de Julio en el Teatro Arteria Coliseum de Madrid podemos ver "Carmen". Dirigida por Ricardo Castro, con coreografía de Ricardo Castro y Ángel Rodríguez y música original de Fernando Lázaro y Pablo García Palomo.
Esta original producción de “Carmen” protagonizada por Rosario Castro tiene una gran puesta en escena mezclando flamenco, la danza clásica y contemporánea, con la participación estelar de Víctor Ullate Roche.

ENTRADAS PARA 'CARMEN'

Fecha/Hora	Lugar	Precio	Comprar	Proveedor
Del 29 al 31 de julio	Madrid Arteria Coliseum	15/45€	Compra tus entradas